Eel-Kwon Kim Solo exhibition
Mind-Scape : from the nature 심상적 풍경 : 자연으로부터
2024.04.17 ~ 05. 14
The New Landscape (새로운 풍경), 감동과 치유, 그리고 평화로움. 고요한 심상의 풍경을 그려내다
캔버스 속에 그어진 고요한 수평선의 깊은 울림이 새로운 ‘풍경’이 되어 마음속으로 다가온다. 김일권 작가는 한국적인 색채를 사용하여 자신이 바라본 자연의 순간을 작가만의 심상을 통해 ‘그 날’의 감정과 생각을 담아 풍경의 구상을 추상으로 전환시킨다. 캔버스의 평면을 가로지른 수평선을 경계로 하늘과 들, 혹은 하늘과 바다 등이 뚜렷하게 나뉘는 풍경을 강렬한 색의 대비로 표현하거나 혹은 어슴푸레하고 환영적으로 표현하여 추상화한다. 그의 캔버스에는 사계절이 담겨있고 새벽과 정오, 한낮의 푸름, 붉은 노을, 깊은 한밤중의 자연이 담겨있다. 어둠과 빛이 지나가고, 장엄한 정적, 깨어남, 순간에서 순간으로의 전환이 있다.
김일권 작가가 한 점의 작품을 완성하기까지는 적어도 한 달에서 때로는 몇 년이 걸리기도 한다. 작품을 자세히 들여다보면 겹겹이 쌓아올린 색의 층이 그 이유가 된다. 단순하게 면이 분할된 것이 아니라 칠을 올리고 나서 작가 스스로 만족할 때까지 여러 색깔을 덧 올려 깊이를 만들어낸다. 예를 들면 오묘한 빨간색 너울거리는 속에 노란빛이 섞여있고, 그 빛의 바탕에는 검정이 자리하면서도 보랏빛이 돈다. 덧 올린 층 사이로 마티에르가 불규칙하게 보이기도하고 반짝이는 펄이 보일 때도 있다. 작가가 덧 올린 세월이 작품 속에 고스란히 나타난다.
날짜 제목, 그리고 평안을 불러일으키고자 의도하는 ‘연상 풍경’
신기하게도 김일권의 작품들엔 날짜가 제목이 되어 따라 붙는다. 김일권의 풍경화는 시간성을 초월하고 환영과 같은 느낌을 주지만, 작가에게 그 특정한 날짜는 그 풍경이 숭고해지도록 맞춰진 가상의 시간에 대한 기록이다. 작가의 마음으로 바라본 그 날의 풍경과 느낌, 공기, 감정에 따라 다양한 모습으로 표현된다. 실제 풍경의 단순한 재현이 아니라 보는 이에게 마음의 감동을 주고 평안을 불러일으키고자 의도하는 ‘연상 풍경’이다. 캔버스의 평면을 가로지르며 아스라이 표현된 수평선은 각 작품들마다 시시각각으로 변하며 관람객이 작품 안에서 희망을 꿈꿀 수 있는 장소, 현실에 대한 대안적인 공간으로 영혼이 평화로운 자연 안에서 휴식할 수 있게 의도하고 있다.
서양에서 인정받은 동양적 풍경추상
특히 김일권의 작품은 뉴욕 활동시절 미국 미술평단에서 동양적 심상을 담아 따뜻하고 긍정적인 아우라가 있는 풍경추상으로 좋은 반응을 얻었다. PRATT institute (프랫 인스티튜트)의 겸임교수이자 American art critic (아메리칸 아트 크리틱)의 로버트 C.모건은 “마치 마크 로스코의 추상이 생각나게 하지만 마크 로스코의 추상과 달리 더 미묘하며 어떤 점에서는 보다 힘차고 자발적이며 긴장감을 가지고 있는 ‘김일권’의 작품은 동양 풍경화의 전통인 간명한 고요함, 모호함이 없는 의미, 담대한 이해력과 사유의 감정을 보여주고 있다. 여기에서 우리는 인간적 정서의 우주를 발견할 수도 있고, 시간과 공간을 넘나들 때 우리의 감정을 지배하는 은하수의 분위기를 발견할 수도 있다.” 라고 말한다.
김일권 작가는 뉴욕미술학교에서 MFA를 마치고 서강대 영상대학원 예술공학 박사과정을 졸업한 뒤 뉴욕시립대 연구교수를 거쳐 현재 전남대교수로 재직 중으로 뉴욕 유학 시절 백남준 사단의 일원으로 활동하기도 했으며 크리스티 옥션 뉴욕에 출품되어 여러 번 낙찰된 기록을 가지고 있으며, 포스코 미술관, 뮤지엄산, 토탈미술관 등 국내유수의 미술관을 비롯하여 뉴욕 첼시 앤드레 자르 갤러리 전속작가와 소호, 파리 등에서 전시한 바 있다. 그리고 서울 국립현대미술관, 뉴욕 총영사관, 뉴욕 한국문화원, 미국 Basf Urethan Co, 현대모터스 인디아, 서울 예술의 전당, 인디아 한국대사관, 신세계, 롯데호텔 제주, 대명리조트, 광주지방법원, 광주시립 미술관, NEW YORK ACADEMY OF ART 등에 작품이 소장이 되어 있다.
Kim has formally explored a thematic with a razor-sharp singularity yet evinces a high level of artistic accomplishment. His early works were anything but indistinguishable. Artistically incorporating vestiges of Mark Rothko's prescient Color-Field to Robert Ryman's monochromes, Kim's early paintings consisted of rectangular canvases awash in two dominate colors which meet at a demarcated line that horizontally bisects the canvas; or by an area in which the two dominate hues bleed into each other. More recently, Kim expanded on this where the purity of his color fields was contaminated with offset colors thus giving his nebulous pictorial zones depth by way of chromatic palpability. As much as these canvases can be read as embodiments of pure abstraction, the delineated line or passage between large areas of color cannot resist being perceived as a horizon. What one could conclude, then, is what Kim renders is a kind of dialectical painting that formally and conceptually oscillates dichotomies of pure abstraction and representation, figure and ground, presence and absence, and being and nothingness. As if these thematic points of departure were not revelatory of the complex artistic imaginary, the early works were also given titles referring to the day they were painted including June 20, 2003 and October 30, 2003, for example. The titles serve more than demarcations of time, however, for they not only encapsulate the arc of their creation but are also metaphorically embedded, to a lesser of greater degree, with the interiority of their author on the day of their manufacture.
_extracted from “Eel Kwon Kim: From the Line to the Infinite” By Raul Zamudio
Here I refer specifically to the paintings of the Korean artist Eel Kwon Kim.
To see these paintings, and to encapsulate their significance, is to go beyond the normative perception of how a landscape is seen or understand. Kims landscapes have a direct reference to abstract painting. operate as a hinge between the two -- representation and abstraction -- as a fulcrum, a balance beam, a way of seeing into the future. series, entitled Calm :Land, constitutes a kind of prophetic seismograph, a warning without deliberate calculation, a way of thinking and feeling in relation to the self.
understands that viewing the landscape is an intrinsic metaphysical action, a way of coming to terms with the reality of nature, with the infinity of the horizon line, with the calmness of the self, the solitude, the infinite grandeur of spiritual being in a world torn apart by fear and greed.
Kim’s paintings constitute a kind of seeing that envisions the future in relation to the past -- that sees the Eastern traditions of landscape painting as having a succinct calmness, a meaning without equivocation, a feeling of intrepid comprehension and contemplation. Here one may discover a universe of human emotion and an atmosphere of galaxies that reign over our feeling as we move through time and space. (omit)
But there is no prediction in the direction these landscapes will take. In Calm Land (01.05.03) the sensation of ocean waves breaks through the night. The viewer is arbitrarily standing at the seaside watching this extravagant, though sublime phenomenon in nature. horizon is disturbed. The brushstroke in its simple, recondite, and calligraphic manner interrupts the typical stillness.
We are poised in front of the sea -- yet still, not as a pure representation, but as a hint of something universal in nature. The effect is ultimately one of pulling together the representational and abstract elements in painting -- both belonging to nature -- in tune with one another. Eel Kwon Kim is tuning the perceivers eye to the sensation of the thing perceived, the role of nature as an objective variant, a crustacean form, a primeval event that takes us homeward into the self, into the vacant regions of the soul, where the transformation from dark to light emerges and we become whole again.
_extracted from “Eel kwon Kim: The New Landscape”, essay by Robert C. Morgan*
*Robert C. Morgan is a writer, international art critic, curator, poet, lecturer, and artist.
The sublime is that quality in art Robert Rosenblum associated with shapelessness awesomeness and the mysterious aspects of a Romantic landscape, Kim's landscapes are every bit mysterious, suggestive, and even ecstatic in their sublime suggestion of possibilities. His softly nuanced paintings are economical in their means yet speak volumes in their complexity. This layering and its super-inscription or super-imposition is referred to as the palimpsest effect. As signs if a linguistic model, Kim's landscapes are embedded with multi-layered symbolism that functions in terms of repetition and, their signifieds become inconstant shifting and exchanging places with their signifiers. Through repetition Kim's painting as sign constantly recreates its referent thereby multiplying its meaning. His works can be read as metaphorical abstract landscapes with a tripartite division of foreground, horizon/middle ground, and background. Or, they can be seen as studies into sensation and color wherein the media assume primacy. An alternative reading would assert a spiritual element in Kim's landscapes due to their devotional, evocative qualities. Kim's work should not simply be associated with abstract expressionism or minimalism as critics have done in the past, but it should also be seen in light of its metaphorical and symbolic meaning, the most compelling aspect of Kim's painting is that this complex tapestry of veiled metaphoric significance and visual acuity captivate and resonate with his viewer.
_extracted from: “The Palimpsest and sublime in Eel Kwon Kim's Landscapes”
_Thalia Vrachopoulos
