Biography

김 일 권 Eel Kwon KIM b. 1962

Eel Kwon Kim : "a painter's painter" 
Clinton Kuopus (클린턴 쿠어퍼스) 교수 - 전 뉴욕 파슨스 디자인 대학 미술관 관장

김일권은 풍경..... 대기 그리고 대지에 관한 추상적인 문제에 관하여 다소 고전적인 관념에 기초를 두면서, 대단히 절제된 공간적 틀 안에서 작업활동을 하고 있다. 문외한의 눈으로 보기에 이런 작품은 진부하며, 믿기 어려울 정도로 미니멀 아트적이거나 단순하게 보이며, 또 지루하다고 여겨질 것이지만, 전혀 그렇지 않다고 나는 확실히 말할 수 있다. 그의 작품은 세련되며, 그 표현이 뛰어나며, 하나의 이미지에서 다른 이미지로 오고 가면서, 각각의 미묘한 차이를 경험토록 해주고, 각 작품이 어떻게 아주 다른 감정과 시각적인 감수성을 내뿜는지를 느끼게 해준다. 그의 작품은 눈을 즐겁게 해주는 성찬이다. 여러분이 준비만 되어 있다면, 여러분은 매번 상이한 방식으로 풍경 속으로 빨려 들어갈 것이다. 김일권은 모두 같은 크기와 같은 포맷으로 이런 작품을 수 백편 그려 왔다. 이것 자체가 매우 힘든 일인데, 그런데도 각각의 이미지는 신선하며, 각기 다른 모습을 띄고 있다.  그는 다른 날에, 다른 계절에, 그리고 하루 중의 다른 시각에 이런 작업을 했다. 우리는 날이 바뀌면 얼마간은 다른 사람이 된다. 세계와 우리의 환경도 매일 다른 것이다.  김일권은 인간적인 경험의 이런 측면을 바탕으로 하고 있다. 한국과 화가로서의 자신의 삶과 동료 인간들을 묘사함에 있어서, 그는 시각적인 대화를 통해 자신의 정신과 영혼을 감상자와 공유하고자 한다. 한국 역사의 정수와 문화적 뿌리는 자연, 생명, 단순한 우아함, 감수성, 인간적 정감에 대한 존중을 바탕으로 하고 있다. 이런 한국 문화의 원초적인 요소가 김일권의 작품 속에 세밀히 표현되어 있다. 그의 작품은 민감한 감수성을 보이며, 뛰어난 표현력을 나타내며, 감상자와 영적인 교감을 나눈다. “화가 중의 화가”라는 용어는 종종 “선구성” 미묘한 채색과 착색, 자신의 기예를 통해 진정으로 교감을 나누는 내재적인 수단에 통달한 자에게 쓰여지는 용어이다.

김일권은 이런 작가의 한 사람이다. 그의 작품의 기초채색, 바탕채색, 덧칠, 붓놀림과 착색은 홀연히 우리를 초대하고, 잡아끌며, 매혹시킨다. 그의 작품 속에서 대기, 혹은 하늘이 지구, 혹은 땅과 만나는 방식은 대지의 풍경이 지닌 두 측면을 “경계선”에 의해 경이롭게 절제하여 결합하고 있다. 나는 로드코의 작품과 그의 절제된 포맷을 생각하며, 그가 정말 정곡을 찔렀을 때 그의 작품이 얼마나 힘차게 다가왔는가를 생각하게 되었다. 김일권의 작품은 이같은 의도를 갖고 있으며, 상당히 다르면서도 미묘한 방식으로, 그리고 자기 스스로 부과한 훨씬 더 절제된 포맷으로 이를 성취하고 있다. 이를 성취하기 위해서는 엄청난 용기와 감수성, 완고함과 끈기를 요구된다. 이런 경탄스러운 자질은 그의 창조적 정신의 기저이고, 이 예술가를 묘사할 수 있는 말이기도 하다.

Eel Kwon Kim "a painter's painter"    Clinton Kuopus /  Director of Exhibitions Parsons School of Design

Eel Kwon Kim works in a very limited spatial framework based on more or less classical ideas about abstract issues regarding landscape.....atmosphere and ground. To an uninitiated eye they might actually seem to be banal and incredibly reductive or simplistic.....they might be considered to be boring......but I assure you, they are anything but that. They are sophisticated, wonderfully painted, and a visual feast for the viewer to move back and forth from Image to image experiencing the subtle differences from one to another and how they exude very different qualities of emotion and visual sensitivity. If you are willing to let them, they suck you into the visual landscape in front of you in a different way each time.

Eel Kwon Kim has painted over a hundred works, all the same size and with the same format. This is something that is very hard to do and still keep the images fresh and different from one to the other. He paints them on different days, in different seasons of the year, at different times of the day. We are all different people to some degree on different days. The world and our environments are different each day as well.

Eel Kwon Kim plays on this aspect of human experience and shares his spirit and soul with the viewer in describing Korea and his existence as an artist and fellow human being in his visual dialogues with us. The core of Korea's history and cultural roots are based on respect for nature, life, simple elegance, sensitivity and human emotion. These prime elements of Korean Culture are amplified by Eel Kwon Kim's work. They are sensitive, extremely well painted and communicate with the viewer on a very spiritual level. The term "a painter's painter" is often described as one who is a master of "edge", color manipulation, application and the inherent means of really communicating through his or her craft.

Eel Kwon Kim is one such individual. His layering, underpainting, overpainting, brushstrokes and application are all at once, inviting, succulent and alluring. The way that his atmosphere or sky meets earth or ground is a wonderfully controlled marriage of both aspects of landscape through "edge". I was reminded of Rothko and his working in a limited format and how powerful his work became when he was really on point. Eel Kwon Kim's work shares in this intent and succeeds in a much different and subtle way......and with a much more limited self imposed format. This takes tremendous courage, sensitivity, stubbornness and tenacity to pull off and are as admirable in describing the artist as they are the backbone of his creative spirit.

---------------------------------------------

 The New Landscape (새로운 풍경), 감동과 치유, 그리고 평화로움. 고요한 심상의 풍경을 그려내다

캔버스 속에 그어진 고요한 수평선의 깊은 울림이 새로운 ‘풍경’이 되어 마음속으로 다가온다. 김일권 작가는 한국적인 색채를 사용하여 자신이 바라본 자연의 순간을 작가만의 심상을 통해 ‘그 날’의 감정과 생각을 담아 풍경의 구상을 추상으로 전환시킨다. 캔버스의 평면을 가로지른 수평선을 경계로 하늘과 들, 혹은 하늘과 바다 등이 뚜렷하게 나뉘는 풍경을 강렬한 색의 대비로 표현하거나 혹은 어슴푸레하고 환영적으로 표현하여 추상화한다. 그의 캔버스에는 사계절이 담겨있고 새벽과 정오, 한낮의 푸름, 붉은 노을, 깊은 한밤중의 자연이 담겨있다. 어둠과 빛이 지나가고, 장엄한 정적, 깨어남, 순간에서 순간으로의 전환이 있다. 

김일권 작가가 한 점의 작품을 완성하기까지는 적어도 한 달에서 때로는 몇 년이 걸리기도 한다. 작품을 자세히 들여다보면 겹겹이 쌓아올린 색의 층이 그 이유가 된다. 단순하게 면이 분할된 것이 아니라 칠을 올리고 나서 작가 스스로 만족할 때까지 여러 색깔을 덧 올려 깊이를 만들어낸다. 예를 들면 오묘한 빨간색 너울거리는 속에 노란빛이 섞여있고, 그 빛의 바탕에는 검정이 자리하면서도 보랏빛이 돈다. 덧 올린 층 사이로 마티에르가 불규칙하게 보이기도하고 반짝이는 펄이 보일 때도 있다. 작가가 덧 올린 세월이 작품 속에 고스란히 나타난다.

날짜 제목, 그리고 평안을 불러일으키고자 의도하는 ‘연상 풍경’’

신기하게도 김일권의 작품들엔 날짜가 제목이 되어 따라 붙는다. 김일권의 풍경화는 시간성을 초월하고 환영과 같은 느낌을 주지만, 작가에게 그 특정한 날짜는 그 풍경이 숭고해지도록 맞춰진 가상의 시간에 대한 기록이다. 작가의 마음으로 바라본 그 날의 풍경과 느낌, 공기, 감정에 따라 다양한 모습으로 표현된다. 실제 풍경의 단순한 재현이 아니라 보는 이에게 마음의 감동을 주고 평안을 불러일으키고자 의도하는 ‘연상 풍경’이다. 캔버스의 평면을 가로지르며 아스라이 표현된 수평선은 각 작품들마다 시시각각으로 변하며 관람객이 작품 안에서 희망을 꿈꿀 수 있는 장소, 현실에 대한 대안적인 공간으로 영혼이 평화로운 자연 안에서 휴식할 수 있게 의도하고 있다.

서양에서 인정받은 동양적 풍경추상

특히 김일권의 작품은 뉴욕 활동시절 미국 미술평단에서 동양적 심상을 담아 따뜻하고 긍정적인 아우라가 있는 풍경추상으로 좋은 반응을 얻었다. PRATT institute (프랫 인스티튜트)의 겸임교수이자 American art critic (아메리칸 아트 크리틱)의 로버트 C.모건은 “마치 마크 로스코의 추상이 생각나게 하지만 마크 로스코의 추상과 달리 더 미묘하며 어떤 점에서는 보다 힘차고 자발적이며 긴장감을 가지고 있는 ‘김일권’의 작품은 동양 풍경화의 전통인 간명한 고요함, 모호함이 없는 의미, 담대한 이해력과 사유의 감정을 보여주고 있다. 여기에서 우리는 인간적 정서의 우주를 발견할 수도 있고, 시간과 공간을 넘나들 때 우리의 감정을 지배하는 은하수의 분위기를 발견할 수도 있다.” 라고 말한다. 

- 갤러리소헌 개인전 보도자료 중에서 발췌. 

---------------------------------------------

Kim has formally explored a thematic with a razor-sharp singularity yet evinces a high level of artistic accomplishment. His early works were anything but indistinguishable. Artistically incorporating vestiges of Mark Rothko's prescient Color-Field to Robert Ryman's monochromes, Kim's early paintings consisted of rectangular canvases awash in two dominate colors which meet at a demarcated line that horizontally bisects the canvas; or by an area in which the two dominate hues bleed into each other. More recently, Kim expanded on this where the purity of his color fields was contaminated with offset colors thus giving his nebulous pictorial zones depth by way of chromatic palpability. As much as these canvases can be read as embodiments of pure abstraction, the delineated line or passage between large areas of color cannot resist being perceived as a horizon. What one could conclude, then, is what Kim renders is a kind of dialectical painting that formally and conceptually oscillates dichotomies of pure abstraction and representation, figure and ground, presence and absence, and being and nothingness. As if these thematic points of departure were not revelatory of the complex artistic imaginary, the early works were also given titles referring to the day they were painted including June 20, 2003 and October 30, 2003, for example. The titles serve more than demarcations of time, however, for they not only encapsulate the arc of their creation but are also metaphorically embedded, to a lesser of greater degree, with the interiority of their author on the day of their manufacture. 

_extracted from “Eel Kwon Kim: From the Line to the Infinite” By Raul Zamudio 

Here I refer specifically to the paintings of the Korean artist Eel Kwon Kim.

To see these paintings, and to encapsulate their significance, is to go beyond the normative perception of how a landscape is seen or understand. Kims landscapes have a direct reference to abstract painting. operate as a hinge between the two -- representation and abstraction -- as a fulcrum, a balance beam, a way of seeing into the future. series, entitled 　Calm :Land,　 constitutes a kind of prophetic seismograph, a warning without deliberate calculation, a way of thinking and feeling in relation to the self.

understands that viewing the landscape is an intrinsic metaphysical action, a way of coming to terms with the reality of nature, with the infinity of the horizon line, with the calmness of the self, the solitude, the infinite grandeur of spiritual being in a world torn apart by fear and greed.

Kim’s paintings constitute a kind of seeing that envisions the future in relation to the past -- that sees the Eastern traditions of landscape painting as having a succinct calmness, a meaning without equivocation, a feeling of intrepid comprehension and contemplation. Here one may discover a universe of human emotion and an atmosphere of galaxies that reign over our feeling as we move through time and space. (omit) 

But there is no prediction in the direction these landscapes will take. In Calm Land (01.05.03) the sensation of ocean waves breaks through the night. The viewer is arbitrarily standing at the seaside watching this extravagant, though sublime phenomenon in nature. horizon is disturbed. The brushstroke in its simple, recondite, and calligraphic manner interrupts the typical stillness.

We are poised in front of the sea -- yet still, not as a pure representation, but as a hint of something universal in nature. The effect is ultimately one of pulling together the representational and abstract elements in painting -- both belonging to nature -- in tune with one another. Eel Kwon Kim is tuning the perceivers eye to the sensation of the thing perceived, the role of nature as an objective variant, a crustacean form, a primeval event that takes us homeward into the self, into the vacant regions of the soul, where the transformation from dark to light emerges and we become whole again.

_extracted from “Eel kwon Kim: The New Landscape”, essay by Robert C. Morgan*  

*Robert C. Morgan is a writer, international art critic, curator, poet, lecturer, and artist.

The sublime is that quality in art Robert Rosenblum associated with shapelessness awesomeness and the mysterious aspects of a Romantic landscape, Kim's landscapes are every bit mysterious, suggestive, and even ecstatic in their sublime suggestion of possibilities. His softly nuanced paintings are economical in their means yet speak volumes in their complexity. This layering and its super-inscription or super-imposition is referred to as the palimpsest effect. As signs if a linguistic model, Kim's landscapes are embedded with multi-layered symbolism that functions in terms of repetition and, their signifieds become inconstant shifting and exchanging places with their signifiers. Through repetition Kim's painting as sign constantly recreates its referent thereby multiplying its meaning. His works can be read as metaphorical abstract landscapes with a tripartite division of foreground, horizon/middle ground, and background. Or, they can be seen as studies into sensation and color wherein the media assume primacy. An alternative reading would assert a spiritual element in Kim's landscapes due to their devotional, evocative qualities. Kim's work should not simply be associated with abstract expressionism or minimalism as critics have done in the past, but it should also be seen in light of its metaphorical and symbolic meaning, the most compelling aspect of Kim's painting is that this complex tapestry of veiled metaphoric significance and visual acuity captivate and resonate with his viewer.

_extracted from: “The Palimpsest and sublime in Eel Kwon Kim's Landscapes”  _Thalia Vrachopoulos